Профессор Нона Дмитриевна Дронова — признанный эксперт в области геммологии, автор многочисленных учебных пособий и энциклопедических изданий, посвящённых ювелирному искусству, оценке бизнеса и драгоценных камней. С 2002 года она является членом Союза художников России, объединяя научную и просветительскую деятельность с профессиональным занятием живописью.
Получив первое образование в сфере академической живописи, Нона Дронова с отличием окончила также ювелирное отделение Московской школы художественных ремёсел. В её творчестве слились высокий художественный вкус и глубокое понимание эстетики материалов, что нашло отражение не только в научных трудах, но и в живописных произведениях.
Особое место в её художественном наследии занимают крупные декоративные панно, написанные маслом, в которых раскрывается её любовь к цветам и тонкой орнаментальной композиции. Цветочные мотивы, свет и форма в её работах — это не просто декоративная тема, а язык, на котором она говорит со зрителем.
В этом интервью — размышления о творческом методе, поиске индивидуального стиля, а также практические советы для тех, кто стремится найти своё место на современном арт-рынке.
Интервью с художником Ноной Дроновой
1. Откуда рождается тема ваших декоративных работ?
— Мне её подсказывает мой большой тенистый сад — цветение разных растений в разные сезоны. Я никогда не пишу весенние цветы (ландыши, нарциссы) осенью и наоборот — осенние (астры, пионы) весной. Изображать природу фрагментарно — благородное и красивое занятие. Люди и пейзажи кажутся мне скучными — они ограничивают воображение зрителя.
Листья, особенно крупные, — это своего рода современная абстракция. Через них я могу передать движение и дыхание жизни.
2. С чего начинается работа над композицией?
— Со смелости. Я просто провожу линии по холсту, а затем начинаю уравновешивать их цветными пятнами. Позже уточняю детали, чтобы появлялась узнаваемость. О ритме не думаю — он появляется сам собой.
3. Как вы сохраняете живость работы и избегаете излишней прописанности?
— Стараюсь вовремя остановиться. Всегда боюсь «замазать» работу в поисках совершенства. Иногда лучше оставить как есть — пусть живёт.
4. Расскажите о своей работе с цветом.
— Работаю с цветом свободно. Беру те краски, что есть на палитре, и расставляю цветовые пятна — обычно один основной цвет повторяется в пяти-шести зонах разной формы и размера. Потом интуитивно добавляю другие цвета — тоже в разных местах, чтобы пятна перекликались по холсту.
Главный принцип — равновесие цветовых пятен. Чёрный цвет почти не использую — он убивает живопись.
5. Почему вы избегаете симметрии?
— Симметрия скучна. В природе нет ничего идеально симметричного. Всё держится на равновесии, а не на зеркальности. Поэтому я стараюсь не повторять формы, а уравновешивать их.
6. Что для вас означает декоративность?
— Декоративность и плоскость появляются естественно, потому что я не люблю работать академически над объёмом — это скучно. Для меня декоративность — это то, что украшает дом, создаёт настроение и энергию.
Я избегаю скучных сочетаний цветов — к холодным пятнам добавляю тёплые. Тогда всё начинает звучать и играть.
7. Что для вас свобода в живописи?
— Свобода — это когда не работаешь на заказчика. Просто пишешь, как идёт, и не думаешь, купят ли потом эту работу.
8. Что бы вы посоветовали тем, кто хочет научиться создавать подобные живописные пространства?
— Найти технику, которая даётся легче всего. Каждый должен чувствовать, где ему комфортно — в акриле, масле или пастели. Главное — не мучиться, а писать с удовольствием.
3. Педагогическое и искусствоведческое толкование
С педагогической точки зрения размышления Ноны Дроновой раскрывают метод обучения через ощущение и практику. Её подход формирует у учеников чувство внутренней меры и пропорции, а не зависимость от академической схемы.
Работа с равновесием цветовых пятен, отказ от симметрии и объёма воспитывают зрительное мышление, чувственность и смелость композиции.
Отказываясь от механического построения объёма, художник утверждает более человечный подход, где чувство предшествует форме. Этот метод возвращает живопись к сути — созданию гармонии через интуицию.
Такой взгляд созвучен постимпрессионистическим и модернистским традициям обучения, где главная цель — не техника сама по себе, а пробуждение эстетического инстинкта, который лежит в основе художественного мышления.
4. Послесловие автора
(О личной манере и индивидуальности)
Я занималась живописью с юности — в художественных студиях и детской академической школе. Но уже тогда чувствовала, что строгая академическая система не для меня. Классические натюрморты, симметрия, точное изображение материала — стекла, керамики, мелких предметов — всегда казались мне безжизненными. Классический подход с тенью, полутенью и бликом никогда не вдохновлял.
Много лет я думала, что просто «не умею» передавать объём, что чего-то не хватает. А потом поняла — в этом моя индивидуальность. Мне просто не нужно изображать реальность. Меня интересуют цвет, равновесие и лёгкость формы.
Единственное, что я беру из классики, — это рефлексы, отражения цвета окружающих предметов. Они оживляют поверхность и связывают пятна между собой.
Теперь я понимаю, что плоскость и декоративный ритм — это не ограничение, а мой способ видеть. Я не стремлюсь к иллюзии — я создаю живую поверхность цвета, где всё уравновешено: линия, тон и пространство.
